Bạn đã bao giờ thấy bộ được vẽ như thế nào chưa? - Nhiều cái gì?
- Và không có gì, chỉ là rất nhiều …
Lewis Carroll, Alice ở xứ sở thần tiên
Người ta phải nghĩ rằng người phụ trách Aaron Betsky đã gây tổn thương sâu sắc cho cuộc trưng bày kiến trúc vào năm 2008 - lần thứ hai leitmotif của triển lãm là một sự trở lại với kiến trúc. Theo cách giải thích của người phụ trách năm nay David Chipperfield, nhiệm vụ chính là "tái thuyết phục mọi người về sự tồn tại của một nền văn hóa kiến trúc, được tạo ra không phải bởi các thiên tài riêng lẻ (đọc là: ngôi sao), mà bởi một cộng đồng có lịch sử chung, tham vọng chung, tiền đề và ý tưởng. " Do đó, người phụ trách đã giao cho tất cả những người được mời tham gia chương trình chính của Biennale một nhiệm vụ khó khăn: thể hiện điều quan trọng nhất của họ, tìm ra ý nghĩa sâu sắc (làm cho nó có ý nghĩa). Nói cách khác, hãy tìm kiếm nguồn gốc, xác định các nguồn và thành phần của cảm hứng, ý tưởng và hình ảnh chính của bạn, vấn đề ban đầu của công việc của họ. Để sau đó kết hợp các câu trả lời tìm được và xem chúng sẽ tương tác như thế nào trên một điểm chung chung, trong trường hợp này có nghĩa là - trong không gian triển lãm.
Chủ đề về Điểm chung Biennale, do giáo sư xã hội học Richard Senett gợi ý cho Chipperfield, đã được diễn giải trong bản tuyên ngôn theo cách mơ hồ và nhiều lớp, mang lại cho những người tham gia sự tự do nhiều hơn. Lớp đầu tiên là dễ hiểu nhất - đây là các không gian công cộng. Nhưng không chỉ không gian publiс trong một số văn phòng và siêu thị, Chipperfield quy định ngay lập tức, mà là những "nửa cung tinh tế nhất" giữa tư nhân và công cộng, kết quả của cuộc đấu tranh vĩnh viễn của cá nhân và chung. Cách giải thích thứ hai về chủ đề được đề xuất trong tuyên ngôn giám tuyển là sự tương tác của một kiến trúc sư với các ngành nghề liên quan (“kiến trúc đòi hỏi làm việc theo nhóm,” Chipperfield viết). Và cuối cùng, lớp thứ ba là lớp mỏng nhất - nền tảng văn hóa và lịch sử, mà chúng ta đều có theo cách này hay cách khác.
Tại lối vào Corderi, chúng ta được chào đón bởi một bức tường trắng xuyên qua sảnh trống, một cái giếng bằng đá ở phía trước nó và một vài cuộc triển lãm nhỏ, thoạt nhìn, hoàn toàn được lựa chọn ngẫu nhiên: ba so sánh trang trọng đơn giản, kèm theo sự suy nghĩ ngắn gọn từ Bernard Chumi; một tờ báo triển lãm dành riêng cho Venice với các cuộc phỏng vấn cư dân địa phương; và Tượng đài vui nhộn nhất cho Chủ nghĩa Hiện đại, một “bức ảnh ghép ba chiều” của các kiệt tác thế kỷ 20 (bao gồm cả Câu lạc bộ Melnikov của Rusakov), được phát minh bởi kiến trúc sư Robert Burchart vào năm 2009 cho một địa điểm rất cụ thể ở Berlin. Ba dự án triển lãm nhỏ (nói thẳng ra là không quan trọng nhất tại Biennale này) hoàn toàn không có mối liên hệ nào với nhau. Mối liên hệ duy nhất giữa chúng là không gian chung của hội trường và mặt bằng chung được viết trên tường. Chúng khác nhau, những dự án này, nhưng chúng cùng tồn tại và một số mối liên hệ chắc chắn nảy sinh giữa chúng.
Căn phòng đầu tiên kỳ lạ này trên thực tế là tuyên ngôn rõ ràng nhất trong toàn bộ triển lãm của Chipperfield. Xa hơn dọc theo Corderi, nó sẽ giống nhau: sự xen kẽ, khu vực lân cận và sự pha trộn của lớn và nhỏ, ngoạn mục với thông tin, trang trọng với cốt truyện, kiến trúc sư trẻ với các nhà xây dựng Ấn Độ già, ít người biết đến với các ngôi sao nổi tiếng của Anh - danh sách gần như vô tận. Giám tuyển David Chipperfield dường như đã bắt đầu thu thập ở đây một phổ về sự đa dạng của thế giới kiến trúc, có lẽ là để cùng nhau thoát khỏi cuộc khủng hoảng rõ ràng về tư tưởng kiến trúc. The Ark, không phải là khác. Có ít nhất một bản sao của mỗi sinh vật ở đây.
Tôi phải nói rằng hội trường đầu tiên trông hơi đáng sợ: nó trông giống như một triển lãm danh dự, không có đủ tư liệu để gây ngạc nhiên cho người xem. Xa hơn (phía sau bức tường) theo sau một niềm vui nghiêm khắc về các bức ảnh của Thomas Strut, người không giải tỏa ngay lập tức cho người xem khỏi sự nghi ngờ sợ hãi rằng họ sẽ chỉ được hiển thị những bức ảnh được đóng khung và mô phỏng bằng bìa cứng ở đây và xa hơn nữa trên khắp Corderie. Nhưng tình hình lại khác: hoàn toàn đáng kinh ngạc, nếu bạn nhìn kỹ, những bức ảnh của Strut thực sự tạo thành "cốt lõi" của toàn bộ cuộc triển lãm giám tuyển của Arsenal - cuộc triển lãm của anh ấy được chia thành bốn phần, sau đó được tìm thấy ở những nơi bất ngờ nhất.. Nó được gọi là 'Địa điểm vô thức' và cho thấy các loại không gian đô thị "được hình thành trong lịch sử", trong đó, như bạn biết, chiếm đa số trên thế giới: từ ngoại ô St. Petersburg trong thời kỳ chiết trung, vùng ngoại ô hỗn loạn của Lim, và những tòa nhà nhiều tầng kỳ lạ của các thành phố châu Á.
Vì vậy, triển lãm được xây dựng, trên thực tế, rất rõ ràng, thậm chí theo cách cổ điển: sau một tuyên ngôn giới thiệu ngắn, tiếp theo là phần mở đầu của phần “quan trọng”. Trong hội trường tiếp theo - tác động cảm giác của tác phẩm sắp đặt của Norman Foster: một không gian tối tăm, nơi trên sàn đen, bò lên những ngọn cột của Corderi, hình chiếu tên của các kiến trúc sư từ Hippodamus đến Eisenmann nhấp nháy (theo nguyên tắc đa dạng, có nhiều tên của những cái ít được biết đến). Tên của các kiến trúc sư được đặt dưới chân, giống như bia mộ của các vị trụ trì khiêm tốn trong các nhà thờ Công giáo. Đúng, không giống như những cái đĩa, những cái tên này rất cơ động, nếu bạn nhìn lâu, đầu bạn sẽ quay cuồng. Phía trên, trên những bức tường, kèm theo những làn sóng ồn ào hoặc im lặng, những bức ảnh nhấp nháy, được thu thập theo một số nhóm chủ đề: các cuộc cách mạng (bao gồm cả Maidan và Femen của Ukraine), những lời cầu nguyện, tàn tích, hậu quả của thảm họa, một số tòa nhà ngoạn mục - phạm vi hình ảnh là ấn tượng và bắt buộc thanh tra. Hội trường này chắc chắn là hợp âm đầu tiên của bản giao hưởng.
Một sự thay thế tương tự: hội trường cảm xúc tươi sáng, hội trường đơn lẻ của một đối tượng, và cuối cùng, các hội trường, gần như chật kín với các cuộc triển lãm nhỏ - tiếp tục diễn ra ở Arsenal và hơn thế nữa. Người ta có thể nghĩ rằng Chipperfield đã lấy các tác phẩm sắp đặt tượng hình từ Shojima Biennale, từ Betsky Biennale, các vật thể đồ sộ, pha loãng tất cả những điều này với các cuộc triển lãm "kiến trúc thông thường" - và khiến cả người tham gia và khán giả tìm kiếm ý nghĩa trong tất cả những điều này. Đó không phải là xấu, bởi vì nó làm cho tôi suy nghĩ. Triển lãm không mang tính giải trí cho lắm (mặc dù vậy, có sự đa dạng), nó khiến bạn phải đọc và xem xét kỹ lưỡng, tìm kiếm một khái niệm chính và nói về mức độ nó được tiết lộ. Ví dụ, trong hội trường của Foster, nó được tiết lộ theo nghĩa đen: tên của các kiến trúc sư xung đột và nhộn nhịp trên một mặt bằng chung. Nhưng không chỉ, tất nhiên. Đây là một cài đặt hoàn chỉnh bao gồm tất cả người xem trong một trải nghiệm chung về âm thanh và hình ảnh.
Hội trường đen của Foster được theo sau bởi hội trường xã của một số người tham gia: khuôn viên trường - trụ sở chính của công ty dược phẩm Novartis ở Basel, Thụy Sĩ, được trưng bày với các mô hình. Gần đó là triển lãm cá nhân thu nhỏ của kiến trúc sư người Thụy Sĩ Luigi Snozzi, 80 tuổi, người đã “cống hiến bốn mươi năm để làm việc vì lợi ích cộng đồng” và chiếu video về dự án Pilgrim's Way, trong đó các kiến trúc sư trẻ người Mexico đã tạo ra một số nền tảng xem, các nhà nguyện và nơi trú ẩn dọc theo con đường hành hương dài 117 km đến tượng Đức Mẹ Đồng trinh từ Talpa. Điểm nhấn chính duy nhất trong căn phòng này là vật thể 'Vessel' ('tàu' hoặc 'con tàu') của các kiến trúc sư người Ailen Sheila O'Donell và John Twomey, một vọng lâu bằng ván gỗ 'để chiêm ngưỡng' (với khả năng này là hơi giống 'Ear', được xây dựng bởi Vlad Savinkin và Vladimir Kuzmin trong Nikolo-Lenivets). Nói một cách dễ hiểu, sự đa dạng là điều hiển nhiên.
Sau đó là khoảng nghỉ nghệ thuật trong hội trường nhỏ của kiến trúc sư người Thụy Điển Peter Märkli và đồng nghiệp Steve Roth. Một số nhân vật điêu khắc bằng kim loại được đặt ở đây, xung quanh bức tượng có giá trị nhất, Người phụ nữ Venetian VIII của Alberto Giacometti, được bao quanh bởi một lính canh. Ý nghĩa của việc sắp đặt khá cổ điển: so sánh một hình người (tuy nhiên, được đoán trong các tác phẩm điêu khắc được thể hiện sau một số căng thẳng) với một cái cột: các kiến trúc sư đã đặt các con số ở giao điểm của các đường thẳng tưởng tượng nối các cột của hội trường. theo đường chéo. Mặc dù thiết kế tinh tế này chỉ có thể được xem xét theo sơ đồ đính kèm - một người xem ít chú ý hơn sẽ cho rằng các hình đơn giản được xếp trên lối đi của họ, và thậm chí có thể đi xung quanh chúng với vẻ khó chịu, liếc nhìn người bảo vệ và không đánh giá cao sự tinh tế của Giacometti. Trong khi đó, ý tưởng về Sảnh Märkli hầu hết giống với Shojima Biennale trước đó: ý nghĩa của nó là phản ánh kiến trúc của Arsenal, nó là một chủ đề hai năm một lần vô tận, mặc dù ý tưởng không chỉ giới hạn ở nó: sự hiện diện của một cốt truyện tỷ lệ cổ điển là quan trọng hơn ở đây.
Sau đó, niềm vui bắt đầu: các tác phẩm kinh điển của Đức, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron và các nhà xây dựng Ấn Độ ít người biết đến với những người ngồi xổm người Venezuela. Chúng ta sẽ nói về chúng sau một chút. Giữ để cập nhật.
