Sergey Estrin:
- Rất khó để đưa ra một số tiêu chí rõ ràng để đánh giá trình độ của công việc đồ họa. Nếu bạn bắt đầu từ điều ngược lại, từ những gì bạn không thích, thì bạn chắc chắn không thích khi những người soạn thảo tài năng tái tạo các bức ảnh. Đồ họa như vậy chỉ nổi bật ở chỗ chúng truyền tải hình ảnh với độ chính xác cao nhất, hình ảnh của nó trông giống như những hình ảnh sống động. Đối với tôi, đây chắc chắn không phải là tiêu chí lựa chọn. Điều quan trọng đối với tôi là khi xem một tác phẩm, tôi ngay lập tức có mong muốn suy nghĩ lại. Vì vậy, một loạt các hình ảnh liên tưởng, ám chỉ, thậm chí cả cảm giác và cảm xúc xuất hiện. Tôi thích nó khi bạn bắt đầu theo dõi dòng, cách tác giả dẫn dắt nó, và tôi thích suy ngẫm tại sao ông ấy lại làm theo cách này mà không phải theo cách khác. Điều này cũng tương tự với kiến trúc - tôi bị cuốn hút bởi những tòa nhà mơ hồ, khi bạn có thể thưởng thức những góc khác nhau, những hình ảnh mới nổi khác nhau và những khám phá …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Tôi yêu đồ họa của anh ấy rất nhiều. Nó rất khác biệt. Ví dụ, Bunin đã có một khoảng thời gian khi anh ấy vẽ các điểm. Khi còn nhỏ, tôi đã có những cuốn sách có hình ảnh minh họa của anh ấy. Tôi nhớ những minh họa tuyệt vời của anh ấy cho Pushkin. Tôi thực sự thích cách anh ấy làm việc với lời bài hát của Omar Khayyam. Hoặc bức vẽ này: bởi sự sống động của đường nét, bởi cách nói - đây là một tác phẩm thú vị. Bunin không cần phải vẽ toàn bộ hình, toàn bộ khối lượng, điều này là không cần thiết - bản thân đường thẳng, đường đi và truyền tải ý nghĩa của hình ảnh. Đâu đó hình như tay run, nét đứt - nhưng đây không phải do người nghệ sĩ yếu, mà vì muốn truyền tải được ý nghĩa. Và bây giờ bạn nhìn vào đường này - không liên tục, hồi hộp, độ dày khác nhau - và nó cho biết mọi thứ cần thiết. Đối với tôi đây là mức cao nhất, đồ họa hoàn toàn tuyệt vời. Hơn nữa, tôi chắc chắn rằng Bunin đã vẽ bức tranh này mà không có bất kỳ sự chuẩn bị nào, người mẫu hầu như không tạo dáng cho anh ấy. Tôi cố tình lặp lại cách vẽ đường thẳng này, tôi vẽ những ngọn núi như thế này … Theo cách này - theo nửa đường - nhiều họa sĩ cố gắng vẽ, nhưng không phải tất cả đều thành công. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Tôi đã làm quen với công việc của anh ấy ở viện. Noakovsky - kiến trúc sư và nghệ sĩ đồ họa người Nga gốc Ba Lan, sống vào đầu thế kỷ 19-20, trước cách mạng, ông dạy tại Trường Hội họa, Điêu khắc và Kiến trúc Moscow, là thành viên của Học viện Nghệ thuật Hoàng gia. Ông là một nhà vẽ màu nước tuyệt vời, đã vẽ các di tích kiến trúc. Các sinh viên yêu mến anh ấy. Một bức ảnh vẫn còn sót lại khi anh ấy vẽ bằng phấn trên phiến đá trong một bài giảng, giải thích về phong cách kiến trúc. Tôi hình dung một cách sinh động cách anh ấy lần đầu tiên thể hiện những gì phân biệt, ví dụ, phong cách Rococo - tỷ lệ, các yếu tố, sự kết hợp, tỷ lệ giữa các quy mô của tường và trang trí. Và anh ấy làm tất cả một cách nhanh chóng, với một vài nét vẽ, nhưng theo cách mà bản chất được nắm bắt. Đó là, ở một mức độ rất nghệ thuật và chuyên nghiệp. Tôi có thể tưởng tượng các sinh viên đã buồn như thế nào khi anh ấy rửa một thứ và bắt đầu vẽ một thứ khác, có lẽ cũng không kém phần rực rỡ …
Điều tương tự cũng có trong những bức tranh màu nước này: điều chính được truyền tải ở đây. Noakovsky không cần vẽ từng chi tiết, từng bức phù điêu, như thể ông đang sao chép một bức ảnh. Thay vào đó, ông tập trung vào bản chất: nó truyền tải không gian, sức mạnh, nhịp điệu, tỷ lệ, ấn tượng từ chúng. Điều này rất giống với cách bộ nhớ của chúng ta hoạt động nói chung - những thứ nhỏ nhặt bị xóa đi, để lại một hình ảnh chung khiến chúng ta ấn tượng. Noakovsky cũng vậy - anh ta nắm được toàn bộ hình ảnh. Một cách tiếp cận rất đúng về kiến trúc, rất đúng đắn đối với bản vẽ đối với tôi. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Thành thật mà nói, không phải mọi thứ trong tác phẩm của Piranesi đều khiến tôi cảm động. Các di tích cổ kính, quang cảnh của Rome, các cảnh quan kiến trúc của nó không làm tôi cảm thấy mạnh mẽ. Nó được thực hiện rất tốt, được suy nghĩ ra, được xác minh, nhưng không làm cho bạn lo lắng. Và một điều khá khác là những tưởng tượng của anh về chủ đề nhà tù, "Dungeon" của anh - bộ truyện gồm 16 tờ. Những người theo đuổi kiến trúc, hoàn toàn không thể trong thực tế, trong đó anh ta không còn giới hạn bản thân trong bất cứ điều gì. Trong những tờ giấy này, ông đã xây dựng một thế giới siêu việt, phức tạp, hấp dẫn, thần bí, thú vị. Có lần tôi đã mua toàn bộ một cuốn sách để tái bản một vài cuốn Hầm ngục của Piranesi. Những tác phẩm này rất cá nhân, giàu cảm xúc và quan trọng nhất là rất hiện đại, mặc dù chúng được xuất bản lần đầu vào giữa thế kỷ 18. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Cha của Alexander Brodsky. Tốt nghiệp Học viện Kiến trúc Matxcova. Và trong đồ họa cuốn sách của ông, thực sự, người ta cảm thấy một kiến trúc sư. Tất nhiên là có sự tương phản, tỷ lệ, mức độ nghiêm trọng nào đó, cảm giác về đường nét và hình thức - tất cả những điều này cùng nhau tạo nên một ấn tượng mạnh mẽ. Anh ấy biết cách khéo léo đưa ra chủ đề - hãy nhìn những cái đầu đang hét lên này, có rất nhiều người trong số họ dường như bạn đã có thể nghe thấy, cảm nhận được tiếng cười của họ. Hình tượng của Don Quixote và Sancho ở trung tâm của biển đầu này được vẽ như thể chúng được tạo ra bởi một nhà điêu khắc. Đồ họa rất tốt. Với những bức tranh minh họa cho Don Quixote, Savva Brodsky đã nhận được huy chương vàng tại Hội chợ Sách Moscow, và được bầu làm Viện sĩ tương ứng bởi Học viện Mỹ thuật Hoàng gia Tây Ban Nha.
Và các tấm của anh ấy cho Romeo và Juliet cũng tuyệt vời và rất kiến trúc. Điều này được chứng minh bằng thực tế rằng đây là một bộ truyện - tức là tác giả thiết lập nhịp điệu và do đó, làm việc với tư cách là một kiến trúc sư. Có các trục, một phối cảnh mở rộng đến vô tận, và các hình điêu khắc tạo nên quy mô của hàng cột này và gian giữa. Rất đẹp. Brodsky biết cách truyền tải quan điểm của một người nhìn người khổng lồ. Là một kiến trúc sư, tôi hoàn toàn hiểu mọi thứ ở đây, có lẽ đó là lý do tại sao tôi thích nó. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
Nghệ sĩ người Áo, một học trò của Klimt, sau khi ông qua đời thực sự là nghệ sĩ số một ở Áo, nhưng lại qua đời ở tuổi 28 vì một phụ nữ Tây Ban Nha. Ông có nhiều bức tranh và hàng nghìn bức vẽ. Công việc của anh ấy rất thú vị. Tài năng tuyệt vời. Vừa dễ nhận biết vừa đa dạng. Có lẽ, nếu sống lâu, anh ta đã trở thành một nhà điêu khắc, bởi vì những thứ của anh ta rất điêu khắc, và thậm chí có thể là một kiến trúc sư … Anh ta nhìn rất đúng, loại bỏ những thứ không cần thiết và thêm một số cảm xúc sắc nét khác thường. Anh ấy có một đường nét cực kỳ tuyệt vời, giống như một dây thần kinh trần. Tranh của ông không thể tách rời với đồ họa. Ngay cả những thứ được vẽ hoàn toàn là đồ họa.
Những bức chân dung của ông không phải là một bức tranh biếm họa, không phải là một bức biếm họa, ở đó chúng cũng cố gắng nắm bắt được điều chính. Anh ấy cũng thay đổi tỷ lệ một chút, kéo dài chúng. Schiele có một trường phái tuyệt vời, anh ấy chắc chắn biết cả tỷ lệ và giải phẫu, nhưng anh ấy biết cách mài giũa chúng và truyền tải chúng theo cách mà mỗi dòng bắt đầu vang lên với một dây thần kinh căng ra, bạn gần như có thể nghe thấy nó.
Và các bản vẽ kiến trúc của ông, ít được xuất bản hơn nhiều so với các bức chân dung, chỉ đơn giản là lộng lẫy ở một số nét đơn giản của chúng. Và ở đây anh ta cũng thấy được điều chính yếu. Tưởng chừng như những ngôi nhà bình thường nhất, không ai nghĩ đến việc chụp lại chúng. Nhưng một vài điểm nhấn - và từ chúng, bạn sẽ nhận ra đầu những năm 1900, tâm trạng của sự hiện đại, mặc dù không có một dòng nào từ sự hiện đại, từ nghệ thuật tân ngữ ở đây. ***
