Trải qua lịch sử hàng nghìn năm của công việc bảo tàng trên bán đảo Apennine, không chỉ tích lũy được khối lượng tài liệu khổng lồ mà còn hình thành nên một nền văn hóa cụ thể về cách trình bày của nó. Hơn nữa, giá trị nghệ thuật tức thời của cuộc triển lãm trở thành một khái niệm mơ hồ, đôi khi quan trọng hơn là ý tưởng hợp nhất nó và kết quả là sự phức tạp của cuộc triển lãm. Ví dụ, cuộc triển lãm được tổ chức cách đây sáu tháng bởi nghệ sĩ Venice vĩ đại của thời Phục hưng Giovanni Bellini, trước hết, đã gây ấn tượng với những cánh cửa bàn thờ mới được kết hợp, thường được lưu trữ trong các bảo tàng khác nhau cách nhau hàng nghìn km, hoặc với những tấm bảng từ các bộ sưu tập tư nhân. được đưa từ nội địa Hoa Kỳ. Triển lãm "Giotto và Trecento" đã quy tụ một số lượng lớn các bậc thầy người Ý từ Milan đến Naples và những người Pháp đương thời với những phẩm chất khác nhau, theo cách này hay cách khác đã ảnh hưởng hoặc ảnh hưởng đến nhà cách tân Tuscan.
Triển lãm Siena tập hợp lại với nhau dưới một tiêu đề chung, vay mượn từ chủ nghĩa lãng mạn, không chỉ trưng bày từ các quốc gia khác nhau, các tác phẩm của các thời đại khác nhau, chất liệu có tính chất khác nhau - mà còn cả các nghệ sĩ ở các mức độ khác nhau về tinh thần, một số người trong số họ thường gián tiếp liên quan đến Nghệ thuật. Ở đây, tất nhiên, cú giao bóng quan trọng hơn, và ở một mức độ lớn hơn - người giao bóng: người phụ trách Vittorio Sgarbi. Một chính trị gia và sử gia nghệ thuật, được biết đến với việc sử dụng các phương pháp chính trị trong phê bình nghệ thuật - sự thay thế các khái niệm và sự khiêu khích. Là người tích cực tham gia các cuộc biểu tình của sinh viên năm 1968, ứng cử viên thị trưởng Pesaro từ Đảng Cộng sản năm 1990, người sáng lập phong trào Sgarbi Tự do năm 1999, sau đó là đồng minh của Silvio Berlusconi, nhờ đó ông trở thành thư ký Bộ Văn hóa năm 2001. Song song đó, anh viết sách về các bậc thầy và tác phẩm của mọi thời đại và sản xuất các video về lịch sử nghệ thuật. Một sự kết hợp đặc trưng của Ý.
Xét cho cùng, một bảo tàng ở đây không chỉ là một không gian trưng bày, và một cuộc triển lãm không chỉ là một sự kiện văn hóa. Đây là một biểu hiện của tinh thần thời đại: từ niềm đam mê sưu tầm trong các gia đình quý tộc và sự phụ thuộc tỷ lệ thuận của sự giàu có của các bộ sưu tập vào ảnh hưởng của chủ sở hữu - đến chủ nghĩa vị lai, vốn cho rằng các bảo tàng phải bị phá hủy, đồng thời thời gian xây dựng lại xã hội (Những người theo chủ nghĩa vị lai gần như là đảng nghệ thuật và chính trị duy nhất trong lịch sử: Marinetti là bạn với Mussolini và tự hào rằng một số ý tưởng chính trị của chủ nghĩa phát xít đã được ông đưa ra). Một sự kiện trong bảo tàng luôn là một cảnh tượng, với tính sân khấu vốn có trong tất cả cuộc sống của người Ý: gây sốc, khoa học, chính trị, âm mưu đan xen chặt chẽ trong đó. Nó vừa hời hợt vừa sâu lắng, nói lên cái nhất thời và cái vĩnh viễn, vừa buồn cười vừa khiến bạn bật khóc. Và anh ấy luôn yêu cầu vẽ phong cảnh - kiến trúc.
Triển lãm "Art, Genius, Madness" được trình bày trong 10 hội trường chuyên đề về khía cạnh khó hiểu và gây tranh cãi của sáng tạo nghệ thuật. Triển lãm mang tính khái niệm (vẫn không thể gọi là chuyên đề, vì chủ đề được hiểu rất rộng và không phải lúc nào cũng theo nghĩa đen), chất liệu cụ thể và không đồng nhất (từ tác phẩm của Van Gogh đến tác phẩm của bệnh nhân tâm thần Siena. bệnh viện), các chuyên gia liên quan đến từ các lĩnh vực chuyên môn rất khác nhau (nghệ sĩ, nhà sử học nghệ thuật, bác sĩ tâm thần). Các hội trường của Palazzo Squarchalupi hóa ra đầy những bảng kê bàn thờ từ thế kỷ 15 theo phong cách của Bosch, các tác phẩm thể loại nhỏ mô tả việc điều trị bệnh điên trong thế kỷ 17, các bức tranh sơn dầu và đồ họa của Van Gogh, Munch, Kirchner, Otto Dix và Max Ernst, tác phẩm của các nghệ sĩ đương đại dưới sự giám sát của các bác sĩ một hồ sơ tương ứng với ý tưởng của triển lãm, cũng như quần áo của bệnh nhân và thiết bị y tế của các bệnh viện tâm thần của những thế kỷ trước. Trong điều kiện như vậy, thiết kế đóng một trong những vai trò quan trọng hàng đầu, nếu không muốn nói là đầu tiên, đó là nó làm rõ khái niệm, làm nổi bật các điểm nhấn, hợp nhất các vật liệu ở các thời điểm khác nhau và chất lượng khác nhau, xuất hiện dưới cùng một mái nhà và trong cùng một bức tường. của "tác giả" của triển lãm.
10 chủ đề do người phụ trách gợi ý - 10 cách giải thích và cách tiếp cận khác nhau để giải thích hiện tượng điên loạn - được phân phát trong các phòng tương ứng. Một cái nhìn đa diện đòi hỏi một chất liệu khác, đôi khi khó thống nhất. Việc tổ chức triển lãm giúp giải quyết vấn đề khỏi sự thô tục hóa, trong đó các vật thể không đồng nhất được hệ thống hóa và trang trí một cách thích hợp, và các không gian triển lãm được giải thích phù hợp với các chủ đề lẽ ra phải được trình bày trong đó.
Người xem dần được “nhập môn”: phía sau hội trường với tác phẩm điêu khắc Ý của thế kỷ 20, được xem như một loại lời mở đầu, tiếp nối phần lịch sử của triển lãm, nằm trong một hành lang dài và bao gồm các tác phẩm nghệ thuật. từ đầu thế kỷ 16 đến thế kỷ 18, đại diện cho hình ảnh của những người điên trong thời đại và lịch sử ngày nay. nghiên cứu chủ đề, cũng như - từ các mô hình giải phẫu của não và áo khoác thắt lưng cổ điển. Cái thứ hai, được đặt trong một bối cảnh “nghệ thuật” và được tích hợp một cách trang nhã vào phần trưng bày, mà không làm mất đi đặc tính “nhận thức” của chúng, đồng thời nhìn vào một số loại đối tượng nghệ thuật.
Hơn nữa, một nghiên cứu hồi cứu về hiện tượng này, đi kèm với công việc của các bệnh nhân của các bệnh viện trong hồ sơ này, mô tả cuộc sống hàng ngày trong bệnh viện của họ (Cesare Lombroso, Paris Morgiani), được kết nối với "khu trưng bày chính" được chia thành các tầng bằng cầu thang, tại chân trong đó có một gian được sử dụng như một gian triển lãm cho phù điêu của một bậc thầy người Sienese Filippo Dobrilla, người đương thời của chúng ta. Phần lịch sử kết thúc với đại sảnh chân dung nhân vật của nhà điêu khắc thế kỷ 18 Franz Messerschmidt, người trong những năm cuối đời bị hư hại về lý trí, nhưng vẫn giữ được khả năng tái tạo cơ thể con người một cách tài tình.
Sau đó, triển lãm được chia thành các phòng đại diện cho các khía cạnh khác nhau của mối quan hệ giữa nghệ thuật và sự điên rồ. Van Gogh, Kirchner, Strindberg và Munch hợp nhất với tư cách là những nghệ sĩ đã làm việc trong thời gian của Nietzsche (những người có thái độ đối với chủ đề rất trực tiếp), cũng như những anh hùng liên tục nghiên cứu về chủ đề được nêu trong tiêu đề của triển lãm. Hall “General Madness: War through the Eyes of Artists” - một mặt, trình bày một phiên bản khác của sự điên rồ, mặt khác - một vấn đề quan trọng trong lịch sử nghệ thuật thế kỷ XX. Dưới đây là những nghệ sĩ mà chiến tranh đã trở thành động lực cho sự sáng tạo, chủ đề tôn vinh những bậc thầy này: Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix.
Các căn phòng nơi các tác phẩm của chính những người điên được đặt chứa các tác phẩm từ bộ sưu tập của bác sĩ tâm thần Hans Prinzhorn từ Heidelberg, Bảo tàng Art Brut ở Lausanne, cũng như thành quả sáng tạo của những bệnh nhân của các nhà thương điên ở Ý, được hệ thống hóa theo một nguyên tắc monographic. Các tác phẩm của Antonio Ligabue, một kiểu nguyên thủy gợi nhớ đến Henri Rousseau, các tác phẩm đồ họa của Carlo Dzinelli, tuyệt vời về cấu trúc thành phần và màu sắc của chúng - đây là một số ví dụ về cái gọi là. những người ngoài nghệ thuật, từ lâu đã trở thành một thứ sưu tầm. Chủ đề cuối cùng là hội trường của các nghệ sĩ làm việc theo phong cách gần gũi với sự điên rồ, được gọi là "Sự điên rồ rõ ràng của thế kỷ 20": có các tác phẩm siêu thực và sự thể hiện của chủ nghĩa hành động Vienna, nhìn chung, đã hấp thụ các yếu tố của tất cả ở trên. Hội trường 10 là một loại tinh hoa của tất cả mọi thứ được nhìn thấy - không phải ở cấp độ chất lượng nghệ thuật, mà ở cấp độ ý tưởng. Dù thế nào đi nữa, tác phẩm của những kẻ điên loạn còn hài hòa hơn là thi thể đẫm máu của các thành viên trong nhóm người Viên. Và ở giai đoạn này, người xem, sau khi đã xem hơn 400 cuộc triển lãm về chủ đề rối loạn tâm thần, hiểu rằng cuộc triển lãm không đưa ra câu trả lời cho đâu là thiên tài và đâu là điên, và không cố gắng đưa ra, mà còn đưa ra thêm những điều mới. câu hỏi về tiêu chí của "tính chuẩn tắc" và về tính tương đối nói chung.
Một nỗ lực, có lẽ, không phải để giải quyết vấn đề, nhưng để đưa mọi thứ vào một hệ thống duy nhất, tự nó đưa ra thiết kế của sự trình bày. Trong kiến trúc của triển lãm, tính chuẩn mực "được lập thành văn bản" hoặc sự công nhận của bảo tàng đối với nghệ sĩ được phản ánh trong đặc điểm của nội thất hội trường. Các hội trường với Van Gogh, Otto Dix và các nhân viên lễ tân có cách trưng bày cổ điển: các bức tranh được treo trên tường và được chiếu sáng bằng ánh sáng chính xác của bảo tàng. Những hội trường với những tác phẩm “điên rồ” hóa ra lại trở thành một cánh đồng cho hoạt động kiến trúc và viễn tưởng: các tác phẩm được treo trên một dây câu dọc theo một thanh dẫn bị hỏng hoặc được nhúng vào khung kim loại và đặt ở giữa hội trường. ở các góc khác nhau với nhau. Đây là cách đặc trưng của họ được bảo tồn và nhấn mạnh. Tính nguyên bản của các cuộc triển lãm phù hợp với các chi tiết cụ thể của các tác phẩm và đóng vai trò như một đường nét tinh tế không chỉ ngăn cách nghệ thuật tuyệt vời với sự sáng tạo của những người bị thiệt thòi, mà còn mang đến cho cái sau một "triển lãm", ở một mức độ nhất định là "bảo tàng" tính cách.
Công việc của các kiến trúc sư của Studio Milani gần như đóng vai trò quan trọng hàng đầu trong nhận thức về chất liệu triển lãm. Rất khó để nói ở đây về một "hiện thân trực tiếp của ý tưởng của người phụ trách", vì phong cách của văn phòng này có thể nhìn thấy rõ ràng trong kiến trúc của nội thất triển lãm. Nhưng đây là ý nghĩa đầy đủ của kiến trúc, phù hợp với khái niệm của khách hàng, trong các hình thức tương ứng với chức năng, nói về nội dung của nó, hướng sự di chuyển của khách và do đó, giải thích ý tưởng của cấu trúc (tức là không gian trưng bày). Các cấu trúc, vật liệu nhẹ - kim loại, nhựa, thủy tinh, các dạng laconic đề cập đến phong cách của các triển lãm Ý những năm 1930, được thiết kế bởi các kiến trúc sư - những người ủng hộ phiên bản Ý của phong trào Hiện đại - chủ nghĩa duy lý, với thiết kế tối giản và tài năng đặc biệt của họ để truyền tải khái niệm triển lãm bằng các phương tiện nhỏ. Tuy nhiên, ở đây mô-đun hình chữ nhật thịnh hành vào những năm 1930 được thay thế bằng hình tam giác (hình dạng động), ánh sáng tím (màu của sự điên rồ) được thêm vào màu sắc trung tính của tủ trưng bày và một số phần của khán đài là bề mặt phản chiếu. Kết quả là một không gian năng động với quỹ đạo chuyển động bị phá vỡ, nhân lên trong những phản ánh của chính nó, không chỉ đáp ứng với chủ đề của triển lãm, mà còn phù hợp với tinh thần hiện đại nói chung.
Mỏng như ranh giới giữa thiên tài và kẻ điên, giữa kẻ điên và nghệ sĩ, giữa sản phẩm của ý thức bệnh hoạn và nghệ thuật, hóa ra có thể rất có điều kiện giữa khách tham quan triển lãm và tác giả của các tác phẩm được trưng bày tại đó, giữa thế giới thực và thế giới của những ý tưởng được phát minh và những hình ảnh tuyệt vời. Các lưới kim loại được sử dụng trong thiết kế, một mặt, mang tính thẩm mỹ của kiến trúc hiện đại của kết cấu nhẹ, mặt khác, chúng giống với lưới của các bệnh viện tâm thần. Các quỹ đạo đứt gãy của các tuyến đường của cuộc triển lãm không chỉ là các đường của không gian của thuyết giải cấu trúc, mà còn là một phép ẩn dụ cho tâm hồn tan vỡ. Ánh sáng trung tính kết hợp với ánh sáng tím - không chỉ chiếu sáng cho nội thất tối giản mà còn chiếu sáng cho hành lang bệnh viện. Thiết kế, kết hợp các tác phẩm có nội dung và bản chất khác nhau, như thể so sánh tác giả của chúng với người xem: trong mặt bằng của các phòng trưng bày, giữa các tác phẩm trưng bày, du khách định kỳ nhìn thấy hình ảnh phản chiếu của mình. Ngoài ra, con đường xuyên qua bốn tầng của triển lãm, được các kiến trúc sư nỗ lực biến thành một mê cung, đủ dài để không chỉ làm quen với không gian bảo tàng, mà còn để tiếp cận những “người hùng” của khu trưng bày trong chúng tôi. trạng thái cảm xúc.
Đây là sự tham gia của người xem vào thế giới điên loạn của nghệ thuật và thế giới tuyệt vời của những kẻ mất trí - ý tưởng triết học của những người phụ trách nghệ thuật, hoặc một thí nghiệm của các bác sĩ tâm thần hoặc một dấu vết của Zeitgeist. Một kiến trúc thực tế, được thực hiện của các ý tưởng không tạo ra, nó là hiện thân của chúng, nó xuất hiện đúng lúc, đúng chỗ. Và vấn đề không chỉ là ở Ý, kể từ năm 1978, các bệnh viện tâm thần của nhà nước đã bị đóng cửa, tức là, bệnh điên được coi là một "loại bệnh khác", nhưng không phải là một căn bệnh, và không phải là một loại bệnh nhỏ, tinh vi, cực kỳ bảo thủ trong nền tảng của nó. Siena đã mở cửa riêng cho một cuộc triển lãm, nơi một phần quan trọng của các cuộc triển lãm khó có thể được gọi là tác phẩm nghệ thuật theo nghĩa thông thường. Triển lãm này khiến bạn không chỉ nhìn vào thế giới nghệ thuật và thấy trong đó là một phần của sự điên rồ, mà còn ở thế giới của những kẻ mất trí - và nhìn thấy các yếu tố của cuộc sống hàng ngày trong đó, và do đó cảm nhận được sự tinh tế của ranh giới ngăn cách những thế giới này. Đó cũng là lý do giải thích cho sự tách rời, tách rời, phục vụ cho nghệ thuật, một phần không thể thiếu của những lệch lạc về tinh thần và giúp nhìn mọi thứ theo một ánh sáng mới. Và đối với điều này, đóng cửa, nằm trên một ngọn đồi, ngăn cách với phần còn lại của thế giới bởi vùng đồng bằng Tuscan của Siena, là phù hợp nhất.
Khi kiểm tra hội trường cuối cùng, căng thẳng cảm xúc tăng đến giới hạn và khiến bạn muốn đi ra ngoài không khí trong lành - và triển lãm đưa khách tham quan vào một căn phòng sáng sủa, bằng kính nhìn ra những bức tường Siena thời trung cổ. Chỉ những chữ cái của tên triển lãm được gắn trên tường gợi nhớ về những gì anh ta đã thấy, điều này gợi lên sự phản chiếu ánh sáng về những gì còn thiếu trong cuộc triển lãm: những trang từ "Nhật ký của một người điên" hay "Ác mộng" của Fuesli … Nhưng mặt trời Tuscan trái lại, đá và cẩm thạch của Siena palazzo được chiếu sáng bởi nó, chúng gợi ra "sự trong sáng của thiên tài người Ý" nên rất được Welflin coi trọng.
Triển lãm Arte, Genio e Follia. Il giorno e la notte dell'artista diễn ra tại khu phức hợp bảo tàng Santa Maria dela Scala, Palazzo Squarchalupi ĐẾN 21 tháng 6 năm 2009.
Được giám tuyển bởi Vittorio Sgarbi
Định hướng học tập: Quỹ Antonio Mazzotta
Thiết kế kiến trúc: Studio d'Architettura Andrea Milani
Triển lãm quy tụ hơn 400 tác phẩm từ các bảo tàng nghệ thuật hàng đầu ở châu Âu (Orsay, Trung tâm Georges Pompidou, Prado, Brera, v.v.), các bộ sưu tập chuyên đề (Bảo tàng Art Brut, Lausanne, Bộ sưu tập của bác sĩ tâm thần Prinzhorn, Heidelberg) và các bảo tàng của lịch sử y học (Bảo tàng lịch sử y học Đại học Rome "La Sapienza", Bảo tàng lịch sử y học mang tên Rene Descartes, Paris, v.v.).
Các phòng theo chủ đề: Bức tranh về Madness (từ các tác phẩm được cho là của Bosch cho đến ngày nay), Thiên tài và sự điên rồ trong thời Nietzsche (Van Gogh, Munch, Strindberg, Kirchner), General Madness: War through the Eyes of Artists (Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix), The Art of the Mad: Cống hiến cho Hans Prinzhorn (các tác phẩm từ bộ sưu tập của bác sĩ tâm thần Hans Prinzhorn ở Heidelberg), Art Brut (các tác phẩm từ Art Brut Collection của Jean Bubuffet, Lausanne), Một số ví dụ của Ý giữa bình thường và điên rồ (các tác phẩm của Carlo Zinelli, 1916-1974, Pietro Gidzardi, 1906-1986, Tarcisio Merati, 1934-1995), Du lịch đến Tuscany (các biệt thự và lâu đài ở Tuscany, trong đó có các bệnh viện tâm thần nổi tiếng vì những bệnh nhân tài năng: Filippo Dobrilla, Evaristo Boncinelli, Venturino Ventruri, Belarges, v.v. Sự điên rồ tuyệt đối của nghệ thuật thế kỷ 20 (từ tác phẩm siêu thực đến chủ nghĩa hành động ở Vienna).
