Triển lãm đồ họa kiến trúc “Chỉ có nước Ý!” Được mở cửa cho công chúng trong Tòa nhà Kỹ thuật của Phòng trưng bày Tretyakov. Một nửa trưng bày được tạo nên từ bộ sưu tập của Tổ chức Sergei Tchoban, một nửa - các bức vẽ từ Phòng trưng bày State Tretyakov và một số khác - tác phẩm của bốn nghệ sĩ-kiến trúc đương đại: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov và Sergei Tchoban.
Cuộc triển lãm là hoàn toàn tuyệt vời vì nhiều lý do. Trước hết, đồ họa kiến trúc chất lượng cao là một chất liệu phù hợp với bản thân. Kiểm tra nó từ tấm này sang tấm khác, xem xét chi tiết các lọn tóc, bóng, nhân viên, thứ tự là một niềm vui hoàn hảo.
Mặt khác, không thể nói rằng các kiến trúc sư thường được trưng bày trong Phòng trưng bày Tretyakov. Chúng hầu như không bao giờ được hiển thị ở đó. Và ở đây - cuộc triển lãm không chỉ kết hợp những thứ từ các phòng trưng bày của phòng trưng bày, những thứ ít có cơ hội được trưng bày vào lúc khác, với các tờ từ bộ sưu tập của quỹ Tchoban được lưu trữ ở Berlin. Ở trung tâm của mọi thứ, giống như vương miện của tạo hóa, là các bản vẽ của các kiến trúc sư hiện đại.
Thiết kế của cuộc triển lãm thuộc về văn phòng SPEECH và Sergei Tchoban, người đã sắp xếp các tác phẩm của những người cùng thời với ông (bao gồm cả tác phẩm của chính ông) trong một hội trường nhỏ hình tròn; trong phòng trưng bày xung quanh ông, các đồ họa của thế kỷ 20 được trưng bày; Ở khoảng cách xa, trong hai không gian hình chữ nhật hơn, các tờ giấy của thế kỷ 18-19 được trưng bày, chia thành hai khối: "Sự ra đời của một chủ đề" và "Rossika" (tác phẩm của người nước ngoài ở Nga). Do đó, niên đại phân kỳ theo các vòng tròn trong không gian của cuộc trình diễn, hay chính xác hơn là hội tụ từ xưa đến nay: một thứ giống như những vòng tròn trên mặt nước, chỉ là ngược lại.
Cần lưu ý rằng SPEECH khá nhất quán phát triển động cơ của hội trường tròn trong công việc của nó với thiết kế triển lãm: đủ để nhớ lại triển lãm "Bảo tàng Đồ họa" tại ArchMoscow vào năm 2013 (khi Bảo tàng Đồ họa Berlin chưa mở cửa), hoặc hai thiết kế trưng bày gian hàng của Nga tại liên hoan kiến trúc Venice: diorama đẹp như tranh vẽ của thành phố Vyshny Volochok vào năm 2010 và "Pantheon" từ mã QR 2012, gần đây
tái hiện ở Zaryadye. Sảnh tròn khá hiếm trong thiết kế của các triển lãm hiện đại - không gian rotunda không thuận tiện cho việc trưng bày, vì nó có xu hướng lấn át các tác phẩm trưng bày và tự nó trông quan trọng và có giá trị hơn. Nó là một ngôi đền, không phải là một viện bảo tàng, một nơi tập trung hay thậm chí là một dịch vụ.
Chất lượng này của vòng được nhấn mạnh và sử dụng trong việc treo. Đồ họa của New Time được trưng bày tuân theo tất cả các quy tắc trưng bày của bảo tàng và với sự tôn trọng thích đáng. Trong không gian xoay bên trái, trang đồ họa không còn tự có giá trị, trở thành một phần phụ của cốt truyện không gian. Các tờ giấy của Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban được treo thành hai hàng, không cố định sự chú ý vào từng tác phẩm riêng lẻ như một giá trị của bảo tàng (đồ họa của thế kỷ 20 trong phòng trưng bày hình tròn đóng vai trò như một quá trình chuyển đổi, bản thân sự quay cuồng đã loại bỏ bảo tàng nghiêm ngặt).
Ý nghĩa của tuyên bố là đủ rõ ràng. Đồ họa hiện đại không hoàn toàn là một cuộc triển lãm ở đây, mà là một tuyên bố về sự tồn tại của chính nó - sứ mệnh tiếp nối và làm sống lại truyền thống của vẽ cổ điển. Nó là một phần của ngôi đền nghệ thuật tưởng tượng, trong khi bộ sưu tập lịch sử là một thứ giống như nhà thờ cúng tế của nó, một kho lưu trữ các mẫu vật có giá trị.
Đặc điểm là tuyên bố nội thất bằng nhựa, diễn giải một cách tinh tế nội dung của triển lãm, vẫn nằm trong khuôn khổ của ngôn ngữ kinh điển. Hoàn toàn không theo thứ tự, nhưng các chi tiết và trải nghiệm không gian được thêm vào hội trường tròn bằng các tấm đồ họa thực tế. Chúng là kiến trúc phù du của anh ấy. Ví dụ, hãy xem xét mặt tròn của điện Pantheon, được thể hiện rõ ràng bởi một giá đỡ được vẽ gọn gàng của các mái vòm dỡ xuống: “đền thờ trong đền thờ” tiếp tục trò chơi đã bắt đầu hơn nữa, đã ở trong một không gian tưởng tượng phía sau mặt phẳng của trang đồ họa.
Đối với những gì đã nói, vẫn phải nói thêm rằng cuộc triển lãm, bắt đầu với những "người sáng lập" của thế kỷ 18, khám phá thêm về truyền thống ngưỡng mộ Ý đặc biệt của người Nga, và gần hơn đến thế kỷ 21, truyền thống này đã tiếp thu ở đây một số những nét hoàn toàn đặc biệt, không thiếu một chút ngưỡng mộ và theo nghĩa tốt là sự ám ảnh, được thể hiện một cách tinh tế bởi hình dáng ngôi đền của hội trường. Không ai công nhận các nghiên cứu về đồ cổ một cách chân thành như Maxim Atayants; không ai nghĩ rằng kiến trúc của mình được sinh ra từ một cảnh quan màu nước, như Mikhail Filippov; không ai cam kết với giá trị nội tại của thể loại đồ họa kiến trúc như Sergei Tchoban, người đã tạo ra bảo tàng của nó, và Sergei Kuznetsov, người thường xuyên đi ra ngoài trời. Kết hợp với nhau, kết quả là một hiện tượng không đồng nhất, nhưng chắc chắn là duy nhất.
Chúng tôi đã nói chuyện với tất cả bốn nhà triển lãm của Phòng Vẽ Đương đại.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Đây có thực sự là triển lãm lớn nhất về bản vẽ kiến trúc được thực hiện với sự tham gia của cơ sở anh ở thời điểm hiện tại?
Sergey Choban:
- Tôi nghĩ là có. Cả về số lượng tác phẩm được trình bày và theo thời gian được bảo hiểm, đây là triển lãm lớn nhất. Dưới đây là các tác phẩm của các tác giả Tây Âu xuất sắc, những người sáng lập trường phái vẽ kiến trúc của thế kỷ 18, và một số lượng lớn đồ họa của các nghệ sĩ và kiến trúc sư xuất sắc của Nga, những người đã tích cực làm việc trong bối cảnh này.
Các cuộc triển lãm đồ họa kiến trúc, do tổ chức của bạn tổ chức, đã thành hình theo một trình tự nhất định. Có một kế hoạch chung, một vectơ phát triển, hay cốt truyện được phát minh lại mỗi lần?
S. Ch.: Nói chung, mỗi lần nó được phát minh lại, mặc dù chúng ta có những nguyên tắc nhất định. Đặc biệt, chúng tôi cố gắng làm việc với các viện bảo tàng nổi tiếng. Một trong những dự án tiếp theo của chúng tôi sẽ hợp tác với Albertina từ Vienna. Tiến sĩ Schroeder [giám đốc Bảo tàng Albertina ở Vienna - Archi.ru] đã có mặt trong hội trường của bảo tàng của chúng tôi ở Berlin và bày tỏ mong muốn thực hiện một dự án chung - chúng tôi rất vui về điều này và tự hào về đề xuất này. Ngoài ra còn có các dự án khác.
Có kế hoạch làm việc với Bảo tàng Kiến trúc Shchusev, tôi nghĩ điều này rất quan trọng.
Bạn là một nhà sưu tập, nghệ sĩ đồ họa, nhà thiết kế, kiến trúc sư - điều này có liên quan như thế nào với nhau?
S. Ch.: Đối với tôi, dường như đây là những liên kết khác nhau của cùng một nghề nghiệp. Trong bối cảnh lịch sử, kiến trúc sư cũng là nghệ sĩ; họ không chỉ tham gia vào các tòa nhà thủ đô, mà còn tham gia vào thiết kế sân khấu, biểu diễn sân khấu.
Cho đến thế kỷ 20, các kiến trúc sư chưa có nhiếp ảnh …
S. Ch.: Tôi nghĩ rằng nhiếp ảnh không có mục tiêu giống như vẽ kiến trúc. Bản vẽ nắm bắt phần quan trọng nhất của sự sáng tạo của con người - kiến trúc mà một người tạo ra bên trong không gian tự nhiên.
Trong khi đó, Maxim Atayants và Mikhail Filippov đang làm kiến trúc cổ điển, nhưng bạn thì không
S. Ch.: Tất nhiên là không, điều này không liên quan trực tiếp đến kiến trúc mà chúng tôi đang làm. Đối với tôi, dường như việc nghiên cứu kiến trúc bằng cách vẽ có thể dẫn đến những kết quả hoàn toàn khác: đó là nghiên cứu về tỷ lệ, và các hiệu ứng không gian, kết cấu và chi tiết. Không phải là không có gì mà ngày nay, không chỉ ở tiếng Nga, mà ở nhiều trường học ở châu Âu, việc vẽ lại được chú ý nhiều hơn, bởi vì chỉ qua hình vẽ, bạn mới có thể thấy các vật liệu của các cấu trúc khác nhau được kết hợp với nhau như thế nào, vải của các chi tiết nhỏ nhất chảy vào nhau.
Các bức vẽ của bạn tại các cuộc triển lãm luôn là những tác phẩm rất hoàn thiện, vẽ từ thiên nhiên. Tại sao bạn không hiển thị các bản phác thảo?
S. Ch.: Thứ nhất, chủ đề của triển lãm này khá rõ ràng, nó không bao hàm bất cứ điều gì khác. Và thứ hai, bản thân các bản vẽ phải có chất lượng độc lập. Bản phác thảo không phải lúc nào cũng có chất lượng này.
Bức tranh của bạn phát triển nhiều hơn trong bộ sưu tập của bạn hoặc ngoài kiến trúc của bạn?
S. Ch.: Tôi nghĩ rằng bộ sưu tập đã phát triển từ bản vẽ. Và rất nhiều kiến trúc tôi làm đều phát triển từ bản vẽ. Nó chỉ không phát triển thẳng. Không có chuyện bạn vẽ một tòa nhà của thời kỳ cổ đại, và sau đó thiết kế một cái gì đó tương tự. Sau đó, bạn thiết kế một cái gì đó khác, bởi vì quy luật phát triển không gian là khác nhau.
*** Chúng tôi đã cố gắng hỏi ba người tham gia triển lãm tương tự, trong trường hợp này là quan trọng, câu hỏi: liệu đồ họa của họ có khác với đồ họa lịch sử không, và nếu có thì như thế nào.
Maxim Atayants
Đồ họa của bạn khác với đồ họa lịch sử được trưng bày tại triển lãm như thế nào?
M. A.: Đồ họa ở đây rất khác biệt … Tôi có cảm giác rằng bốn nhà triển lãm đương đại khác nhau gần như họ làm với những người treo ở các phòng khác của triển lãm này.
Các thời đại khác nhau. Đồ họa hiện đại không thể không bị ảnh hưởng bởi sự dư thừa hình ảnh khổng lồ của hiện đại. Trong hai năm qua, trên thế giới đã có nhiều bức ảnh được chụp hơn so với toàn bộ lịch sử trước đó kể từ kiểu daguerreotype đầu tiên. Áp lực của sự dư thừa thị giác buộc chúng ta phải xử lý bản vẽ theo cách khác và rút ra từ đó một số thứ không có trong nhiếp ảnh. Tôi là một nhiếp ảnh gia khá chuyên nghiệp, vì vậy điều quan trọng đối với tôi là phải so sánh những điều này. Nhưng tôi ngại suy tư về chủ đề này, vì nhiệm vụ vẽ và nhiếp ảnh là như nhau … Tôi muốn phần nào bày tỏ niềm vui và sự hào hứng của mình khi được gặp gỡ những công trình kiến trúc này. Có lẽ, Quarenghi đã giải quyết những vấn đề tương tự. Và kết quả là khác, bởi vì thời đại đã khác. Làm thế nào khác để trả lời điều này?
Tại sao bạn không chỉ chụp ảnh, mà còn vẽ?
M. A.: Nhưng điều này tôi có thể dễ dàng trả lời. Bởi vì các cơ chế khác nhau có liên quan. Vẽ là một cách học, một loại hoạt động duy nhất của con người trong đó não, mắt và tay tham gia đồng thời với cường độ ngang nhau. Không thể dành một giờ đồng hồ để suy nghĩ và tập trung để xem xét một số công trình kiến trúc nếu bạn không vẽ tranh. Đây là một cách học.
Chúng tôi chụp ảnh để người khác chia sẻ, và vẽ cho chính chúng tôi. Để đồng hóa. Trong trường hợp của tôi, ít nhất.
Bạn đã bao giờ vẽ từ một bức ảnh chưa?
M. A.: Tất nhiên, giống như bất kỳ kẻ ngốc nào học ở Học viện Nghệ thuật, tôi vẽ từ nhiếp ảnh vào ban đêm, chẳng hạn như khi tôi không có thời gian để hoàn thành bài báo học kỳ của mình. Sau đó, tôi thấy nó dễ dàng hơn. Bây giờ tôi cố gắng không làm điều này, bởi vì đây là một sự bắt chước vô nghĩa của quá trình. Theo tôi, quan điểm của việc vẽ là phải rút ra từ cuộc sống.
Khi tôi vẽ, lĩnh hội một cái gì đó, thì quá trình này sẽ diễn ra sâu sắc. Tại sao phải đơn giản hóa nó trong khi cố gắng đạt được cùng một kết quả với giá rẻ? Hoặc bề ngoài nhìn giống nhau. Trong những trường hợp bạn không có thời gian để hoàn thành tại chỗ, đôi khi, tất nhiên, bạn nhìn trộm bức ảnh … Nhưng đây chỉ là thứ yếu. Thật ngạc nhiên là bây giờ tôi khó và lâu hơn để vẽ từ một bức ảnh so với từ thiên nhiên. Đúng rồi.
***
Sergey Kuznetsov
Đồ họa của bạn khác với đồ họa lịch sử được trưng bày tại triển lãm như thế nào?
S. K.: Tôi khiêm tốn nói rằng chúng ta không thể làm điều đó. Tôi rất vui với các tác phẩm của Maxim Atayants, người đã tìm thấy một nguồn lực trong chính mình, có thể đi sâu vào và đi đến một mức độ chi tiết khác - rõ ràng là khó không có nghĩa là tốt, mà đơn giản không có nghĩa là xấu - nhưng tuy nhiên, các bậc thầy cũ đã đạt đến đỉnh cao nào, bằng lòng kiên nhẫn, sự chăm chỉ và con mắt - điều này thật đáng kinh ngạc. Chúng ta phải học … Tôi vẫn nhìn với vẻ ghen tị với đồ họa được trình bày ở đây; thành thạo một kỹ năng như vậy, tất nhiên, sẽ là tuyệt vời.
Vẽ kiến trúc cổ điển có nghĩa là phấn đấu xây dựng kiến trúc cổ điển?
S. K.: Không, nó không có nghĩa gì cả. Vẽ kiến trúc cổ điển không nên được liên kết với thiết kế của kiến trúc cổ điển, giống như việc đọc Ba chàng lính ngự lâm không có nghĩa là bạn đã sẵn sàng vung kiếm vào ngày mai.
Sau đó, kiến trúc và hội họa có mối liên hệ với cá nhân bạn như thế nào?
S. K.: Theo nghĩa này, tôi là một người theo trường phái cũ, tôi coi trọng các kỹ năng thủ công, cơ bản. Đối với tôi, dường như cách thức kiến trúc được tạo ra không thay đổi và không nên thay đổi: một người phải chuyển những suy nghĩ, cảm giác, cảm xúc thông qua chính mình - máy tính sẽ không cho phép thể hiện mọi thứ. Tôi vô cùng thích đồ họa máy tính, tôi đã có nhiều ấn phẩm và triển lãm, điều này giúp tôi có cơ hội so sánh công việc bằng tay và mắt - và làm việc với máy tính. Khi bạn có quyền kiểm soát bàn tay của mình và có thể miêu tả những gì trong đầu bằng chính đôi tay của mình, nó sẽ giúp ích cho cá nhân bạn và cũng hoạt động hiệu quả như một công cụ thuyết phục.
Tại sao bạn không hiển thị đồ họa phác thảo?
S. K.: Trong trường hợp này, nó sẽ không thích hợp … Đây không phải là một vị trí có ý thức; sẽ có đề xuất - chúng tôi sẽ triển lãm. Nói chung, điều này không đúng, chúng tôi đang trưng bày nó - tại triển lãm "kiến trúc sư của năm" trên Arch Moscow, chúng tôi đã có một bản vẽ phác thảo. Chúng tôi có rất nhiều bản phác thảo chất lượng tốt. Theo tôi, những bài viết tay đơn giản sẽ không được khán giả quan tâm. Nói chung, tôi muốn nói rằng sự quan tâm của khán giả đối với bất kỳ tác phẩm nào cũng tỷ lệ thuận với số tiền đầu tư vào tác phẩm đó.
Bạn bắt đầu vẽ kiến trúc lịch sử như thế nào?
S. K.: Tôi bắt đầu vẽ từ rất lâu trước khi vào đại học. Cha mẹ tôi không liên quan đến nghệ thuật hay kiến trúc, nhưng tôi được mang đi bởi nhiều khả năng sáng tạo, tạo mẫu, vẽ, và vì vậy tôi đã tham gia các khóa học dự bị tại Học viện Kiến trúc Moscow. Kể từ đó tôi đã không ngừng vẽ tranh; mặc dù sau khi học viện có một thời gian tạm dừng khi tôi không còn tham gia vào thủ công nữa, nhưng trong đồ họa máy tính.
Sau đó, bắt đầu làm việc với Sergei Tchoban, đâu đó vào khoảng năm 2006, tôi đề nghị anh ấy đi du lịch đến các thành phố khác nhau, vẽ kiến trúc. Kể từ đó, chúng tôi thường xuyên đi du lịch vài lần trong năm để vẽ kiến trúc. Ví dụ, chuyến đi đầu tiên của chúng tôi đến ngoài trời ở Rome là theo bước chân của Piranesi.
***
Mikhail Filippov
Đồ họa của bạn khác với đồ họa lịch sử được trưng bày tại triển lãm như thế nào?
M. F.: Tôi không thể trả lời một câu hỏi như vậy. Tôi có thể cho bạn biết đồ họa kiến trúc khác với cảnh quan kiến trúc như thế nào. Tôi đã là thành viên của Liên minh các nghệ sĩ trong 30 năm và đã triển lãm với tư cách là một nghệ sĩ ở nhiều nơi, bao gồm cả Phòng trưng bày Tretyakov và Bảo tàng Nga. Đối với tôi, câu hỏi này là hoàn toàn rõ ràng. Cảnh quan kiến trúc mà tổ tiên của chúng ta đã tham gia, trước hết là bản vẽ chất lượng cao và tổ chức trang tính với một cách tiếp cận nghệ thuật. Thật không may, hầu hết các kiến trúc sư vẽ đối tượng yêu thích của họ như một góc nhìn nhỏ, chứ không phải là một cảnh quan.
Ở thời Liên Xô, tôi thậm chí còn làm việc theo hợp đồng của Học viện Nghệ thuật với tư cách là một họa sĩ phong cảnh thuần túy. Trong thời perestroika, các Serovite lên nắm quyền ở đó - hầu hết đều là những họa sĩ giỏi, những người theo chủ nghĩa hiện thực, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Đồ họa kỹ thuật, mạnh mẽ cũng ở đó.
Phần còn lại của đồ họa Liên Xô phát triển theo hướng tổ chức hiện đại của tờ giấy: ví dụ, nếu nước nhạt, thì nó được viết hoàn toàn bằng màu trắng, v.v. Khi tôi bắt đầu viết, tôi nghĩ nhiều hơn về sắc thái, âm điệu trung gian; sắc thái của đêm trắng, chất lượng nét vẽ, sự tinh tế trong phối cảnh … Điều này khiến tôi khá độc đáo khi đó, những người già này rất yêu quý tôi. Tôi làm việc theo hợp đồng, đến và cho họ xem, họ đưa ra một số nhận xét - cảm giác như các bậc thầy đang theo dõi tôi.
Vì vậy, tôi không cảm thấy có nhiều khác biệt với các bậc thầy cũ. Nếu họ không vẽ kỹ thuật mà vẽ phong cảnh. Cách tiếp cận cảnh quan giống như một nghệ sĩ. Khoa kiến trúc của Học viện Nghệ thuật đã từng thuê những người vẽ tốt hơn, và bức tranh - những người vẽ xấu hơn. Và họ đã trao bằng tốt nghiệp với cái tên "nghệ sĩ kiến trúc" - điều này đã được hình thành cho đến một số người, tôi không nhớ chính xác, một năm. Tôi không cảm thấy bất kỳ sự khác biệt nào với họ, đặc biệt là khi nói đến các tác phẩm từ đầu thế kỷ. Tôi được nuôi dưỡng trong các tác phẩm của Ostroumova-Lebedeva.
Mặc dù đối với tôi, một sắc thái khác rất thú vị - đêm trắng. Cảnh quan Nga có nhiều sắc thái ở các trạng thái trung gian. Ví dụ, Vasiliev - tan băng, không có mùa đông, không có mùa xuân, không có ánh sáng, không có bóng tối, nửa tông màu, một tia nắng … Bạn sẽ không tìm thấy phong cảnh chất lượng cao trong bức tranh thế giới, trong đó sẽ có một màu xanh tươi sáng. bầu trời và cây xanh tươi sáng! Có thể Rylov có thể có thứ gì đó tương tự, hoặc Cezanne, nhưng điều đó đã khác rồi.
Hóa ra bạn có hai chủ đề: cảnh quan kiến trúc của bạn và kiến trúc của bạn …
M. F.: Không phải! Không có sự khác biệt. Kiến trúc đẹp cần gắn với thiên nhiên, với mặt trời. Tôi biết và yêu thích lịch sử nghệ thuật rất tốt. Vào những năm 1980, thật thú vị đối với tôi khi tiếp tục những gì đã bị cắt ngắn ở những năm hai mươi, khi hội họa bằng cách nào đó bắt đầu chuyển sang - có thể chất lượng rất cao - nhưng là chủ nghĩa hiện đại.
Bạn có nghĩ việc cùng nhau phát triển là có thật không?
M. F.: Vâng, đây là một thực tế tuyệt đối. Vào tháng Giêng năm nay, tôi đã bàn giao nó - rừng đã bị chặt bỏ khỏi 750 nghìn mét vuông của các tòa nhà dân cư.
Ở Sochi?
M. F.: Không chỉ ở Sochi, ở Moscow có một ngôi nhà trên phố Marshal Rybalko. Tôi đảm bảo với bạn, đây là hiện thân của phong cách 2001 mà tôi đã nghĩ ra cách đây ba mươi năm.
Bạn có cảm thấy đây là hiện thân trong bức tranh của mình không?
M. F.: Vâng, vâng … Tôi không thấy sự khác biệt.
Bạn có tin không, tôi đã tốt nghiệp Học viện, nảy ra một ý tưởng và sau đó lần đầu tiên tôi cầm cọ vẽ và màu nước. Tôi không viết ở Học viện hay ở trường nghệ thuật. Và nếu tôi đã viết, không thể nhìn lại những gì tôi đang làm.
*** Triển lãm mở cửa đến ngày 27 tháng 7 (giờ mở cửa)
