Mệt mỏi vì bị giám tuyển bởi các nhà phê bình, nhà lý thuyết và những người gần gũi với kiến trúc khác, Biennale 10 năm sau Massimiliano Fuksas lại giao mình vào tay một kiến trúc sư. Kazuyo Sejima là một kiến trúc sư nổi tiếng người Nhật Bản, một trong những người sáng lập văn phòng kiến trúc SANAA, tác giả của các tòa nhà của một số bảo tàng lớn, bao gồm Bảo tàng Mới ở New York, cũng như Phòng trưng bày Serpentine năm 2009, đoạt giải Vàng năm 2004 Lion, người đã nhận được Giải thưởng Pritzker ngay sau khi được bổ nhiệm làm người phụ trách Biennale. Cô cũng là nữ giám tuyển đầu tiên trong lịch sử triển lãm. Nhưng điều chính, theo giám đốc của biennale, Paolo Baratta, là cô ấy là một kiến trúc sư hành nghề. Sejima lặp lại điều này trong thông điệp giám tuyển của mình, bắt đầu bằng "The Biennale 2010 sẽ là sự phản ánh về kiến trúc."
Trái ngược với phương châm khó hiểu 'vượt quá xây dựng' của người tiền nhiệm, người phụ trách Aaron Betsky vào năm 2008, mà một nửa số người tham gia không thực sự hiểu được và nửa còn lại thì phớt lờ, năm nay Kazuyo Sejima đã đề xuất một khẩu hiệu đơn giản và dễ tiếp cận: "Mọi người gặp gỡ trong kiến trúc "mà không phải là đặc biệt ràng buộc. Rõ ràng là hai thứ được thống nhất trong đó - kiến trúc, mà rõ ràng, Biennale có ý định quay trở lại một cách nghiêm túc, và cộng với kiến trúc là một loại ghi chú xã hội học tinh tế, để thay đổi. Rốt cuộc, không thể tuyệt đối hóa hoàn toàn chủ đề chính của triển lãm; cần thêm một thứ gì đó vào đó. Kiến trúc cho một cái gì đó, nhưng họ đang xây dựng, chẳng hạn, để mọi người gặp nhau ở đó. Từ đây là một con đường dẫn thẳng đến các tòa nhà công cộng tô điểm cho danh mục đầu tư của người phụ trách rất tốt. Ngoài phương châm, Sejima còn nêu ra một số ý nghĩa bổ sung: trọng tâm của triển lãm là phản ứng của kiến trúc hiện đại trước những thay đổi do thế kỷ 21 mang lại, đối với quá trình thông tin hóa và toàn cầu hóa; ranh giới mà kiến trúc biểu thị hoặc xóa bỏ; và chất lượng của kiến trúc được xây dựng - Paolo Baratta nói thêm trong thông điệp của mình. Vì vậy, sau một thời gian dài tìm kiếm sự thật "ở bên", triển lãm kiến trúc chính của thế giới (và Venice Biennale, tất nhiên, là như vậy) sẽ quay trở lại chủ đề chính của nó, được hướng dẫn bởi bàn tay của một người phụ nữ mềm mại và không phô trương.. Cuộc triển lãm giám tuyển có tổng cộng 48 người tham gia, không chỉ bao gồm các kiến trúc sư mà còn cả các công ty kỹ thuật.
Về cuộc triển lãm giám tuyển chính, tại Biennale luôn được tổ chức trong tòa nhà Corderie Arsenal, Sejima tuyên bố quyền tự do của những người tham gia, nói trong tuyên ngôn rằng mỗi người tham gia sẽ là "người phụ trách riêng của mình" trong phần "độc lập" của kho vũ khí. nội thất giao cho anh ta. Người phụ trách nói rằng: Đa dạng tốt hơn là thống nhất ý chí; trong một từ, làm những gì bạn muốn … Hoàn toàn tự do; mặc dù, dạo qua triển lãm, bạn hiểu rằng điều này không hoàn toàn đúng.
Một du khách bước vào sảnh đầu tiên của phần quản lý của Biennale được chào đón bởi một trái tim bằng đá khổng lồ được cắt bởi một chiếc rìu gỗ - chiếc rìu, khi xem xét kỹ hơn, hóa ra là một nơi ẩn náu với một ống khói đi lên, một phép ẩn dụ cho thảm kịch về trận động đất ở Chile gần đây (một câu chuyện chi tiết về sự phục hồi sau thảm họa có thể được tìm thấy thêm, trên không gian Arsenal trưng bày gian hàng Chile). Hai năm trước, buổi giới thiệu Arsenal được mở đầu bằng một đoạn phim và đoạn phim hài hước; Trái ngược với ký ức về cô, trái tim bằng đá rất lớn, thô ráp và nghiêm túc. Đây là một loại vật thể khổng lồ nào đó, bên cạnh nó, bạn có cảm giác như đang ở trong hang động của kẻ ăn thịt người và điều chỉnh, chắc chắn, nghiêm túc. Các cột trụ của Arsenal bắt đầu có vẻ giống như những cột của một vương cung thánh đường theo phong cách Romanesque, và nhìn chung, sự tương đồng của không gian triển lãm nổi tiếng này với một ngôi đền bằng cách nào đó càng trở nên trầm trọng hơn. Có thể đây là những gì đã được dự định.
Ngay sau chiếc rìu đá là một phòng chiếu phim nhỏ gọn với một bộ phim của Wim Wenders, có thể nhanh chóng đi qua để làm quen với một chủ đề thậm chí còn lớn hơn từ Ensamble Studio và người đứng đầu là Anton García-Abril. Cắt ngang dưới những hàng cột và chắn ngang con đường thẳng tắp, hai dầm chữ I khổng lồ nằm chắn ngang trong không gian của hội trường, tương tự như đường ray và được đánh giá bằng màu xám của chúng, rất có thể là bê tông. Một chùm tia khổng lồ nằm trên đầu kia và đầu tự do của nó nằm trên một lò xo cao bằng một người đàn ông bình thường. Cái lò xo đương nhiên không hỗ trợ gì cả, trẻ con nghịch phá nhưng trông rất ấn tượng. Đây không thể được gọi là "mùa xuân"; và nếu ngay trong sảnh đầu tiên, quy mô của đối tượng điêu khắc được đặt ở đó tương ứng với kích thước của nội thất, thì thứ này dường như quá lớn ngay cả đối với nội thất của một kho vũ khí, vượt qua và thậm chí còn đè nén nó một chút.
Từ sự phát triển tiến bộ như vậy, bạn bất giác nghĩ - Chúa ơi, điều gì sẽ xảy ra tiếp theo. Nhưng rồi chúng tôi thấy mình đang ở trong một đám mây ("kích thước cuộc sống" - như đã nêu trong tuyên ngôn giám tuyển), được xây dựng bởi kiến trúc sư Nhật Bản Tetsuo Kondo và kỹ sư Matthias Schuler từ công ty Transsolar của Đức, chuyên về kỹ thuật khí hậu (biết các chi tiết cụ thể của công ty, thật dễ dàng để đoán tại sao đám mây; kiểm soát khí hậu đã lẻn vào Arsenal và sắp xếp thời tiết của riêng mình trong đó …). Hội trường ngập trong một làn sương trắng, được bơm qua các lỗ trên tường bằng hệ thống lắp đặt đặc biệt. Sương mù lan rộng theo cấp độ của các phòng trưng bày và một cấu trúc hình xoắn ốc được xây dựng ở giữa, bạn có thể leo dọc theo đó để đi xuyên qua đám mây và nhìn nó từ trên cao. Mây rải thành từng lớp, phía trên ngột ngạt như trong bồn tắm, nhưng hiệu quả thì tuyệt vời. Đúng như vậy, người Hồi giáo đã trải qua một hiệu ứng tương tự như gần đây vào tháng 8 với sự xuất hiện của khói trong thành phố; Tuy nhiên, ở Arsenal, đám mây này dày hơn, dường như an toàn.
Người phụ trách giải thích công việc chung của người đồng hương của mình và một kỹ sư người Đức như sau: nó đẩy chúng ta đến một hiểu biết mới về không gian, nếu chỉ vì ranh giới của đám mây bị xóa nhòa. Các ranh giới, thực sự, bị mờ, mặc dù chúng được bao bọc trong khuôn khổ của hội trường. Lặn vào sương mù là niềm vui; nhưng không thể không nhớ lại những gì mà những đám mây đã làm - trước hết là kiến trúc sư-nghệ sĩ nổi tiếng Elizabeth Diller và Ricardo Scofidio. Có lẽ đó là lý do tại sao người phụ trách lưu ý một cách tinh tế trong thông điệp của mình: không phải tất cả các cài đặt đều nguyên bản về mặt phong cách, nhưng nhiều tác phẩm đại diện cho đỉnh cao của công nghệ hiện đại.
Studio Ấn Độ Mumbai đã làm hội trường lớn tiếp theo bằng những mô hình gỗ vụn và treo những chiếc quạt ba cánh cổ điển từ trần nhà, biến nó thành một "xưởng" - tuy nhiên, đối với một không gian rộng lớn như vậy, mọi thứ vẫn là chưa đủ, một … ảo giác non nớt về các khối nghệ thuật không nảy sinh; Hóa ra, so với những lần cài đặt đầu tiên, hơi nhỏ, nhưng ấm cúng.
R & Sie (n), công ty kiến trúc François Roche và Stéphane Laveau của Paris, người đã trưng bày các mô hình màu trắng của các tòa nhà điêu khắc sinh học trong Nhà trưng bày Ý hai năm trước, đã thả một trong những sinh vật kỳ lạ của họ vào phòng Arsenal, biến nó thành một chiếc bàn. chân. Một mặt, con quái vật trên sao Hỏa này được bao phủ bởi thủy tinh, phát sáng với ánh sáng màu lục, màn hình mọc lên từ đầu đối diện, ở giữa phía trên một mảnh khoáng vật giả nhiều màu, một thiết bị tương tự như máy đếm Geiger phát ra tiếng bíp. Trong phần giải thích, các tác giả nhớ đến "Người theo dõi" của Tarkovsky và nói về ranh giới của những thành tựu của nền văn minh - có lẽ, phần sắp đặt này nên đáp lại luận điểm của người phụ trách về "ranh giới". Bởi vì, không giống như các nước láng giềng của nó, nó không ảnh hưởng đến không gian theo bất kỳ cách nào; đúng hơn, nó cho chúng ta thấy một cư dân kỳ lạ sống bên trong.
Nhưng hội trường của Olafur Eliasson rất hiệu quả: trong bóng tối, ba chiếc vòi được treo lơ lửng trên trần nhà, có thể phân tán xung quanh những tia nước uốn lượn huyền ảo, có thể phân biệt được bằng những tia sáng nhấp nháy thần kinh. Vòi hoa sen kỳ lạ đầy mê hoặc, nhưng rất khó để chụp ảnh. Tôi phải nói rằng những lời của Sejima mà nhiều hình ảnh sẽ không mới là thật lòng - Eliasson đã thực hiện lần tắm tương tự đầu tiên vào năm 1996.
Hơn nữa - một lần nữa ánh sáng, một khung gỗ của một mái vòm phẳng từ một văn phòng Trung Quốc với tên tiếng Pháp là Amator (có nghĩa là nghiệp dư). Thật vậy, cứ như thể những người nghiệp dư đang vặn những chiếc khuôn này lại với nhau bằng bu lông; nhưng khả năng vượt qua biên giới của mái vòm, nơi mà thông thường không thể vượt qua nó và "đi vào mái vòm" theo nghĩa đen là khá tò mò (một lần nữa, biên giới).
Đối với dòng này, chúng ta phải thêm Phòng âm nhạc Jeanette Cardiff, nơi các loa được đặt trong một vòng tròn và ở giữa có những chiếc ghế để nghe nhạc thu được (volumetric? Architectural?). Và bộ sản phẩm sẽ được hoàn thiện. Đây chỉ là một tập hợp những gì?
Kiến trúc hứa hẹn trong đó, thoạt nhìn, dường như là chưa đủ. Đó là, tất nhiên, bố cục truyền thống và máy tính bảng theo một trình tự chung: gây chú ý nhất đối với mắt người Nga là dự án cạnh tranh của tòa nhà Bảo tàng Perm từ Valerio Oljati, gây chú ý nhất đối với mắt nhìn chung là Nhà hát Opera Đài Trung dự án từ Toyo Ito. Tòa nhà này, trông giống như một mảnh vỡ nhỏ được chạm khắc từ một gò mối rất lớn (Trung Quốc), được trình bày rất chi tiết và cung cấp đầy đủ tài liệu nằm trên bàn dưới dạng các cuốn album dày bằng ngôn ngữ của tác giả. Nhưng dự án được thể hiện chi tiết như vậy là một ngoại lệ và có thể là hệ quả của sự tự do được tuyên bố bởi người quản lý. Sự trưng bày của Arsenal được hình thành bởi các tác phẩm sắp đặt, hơn nữa, không phải lúc nào cũng được thực hiện bởi các kiến trúc sư, mà như chúng ta thấy, bởi các kỹ sư và thường xuyên hơn, bởi các nghệ sĩ làm việc chuyên nghiệp và giỏi trong thể loại này. Ví dụ, Olafur Eliasson - trong danh mục đầu tư của anh ấy có rất nhiều tác phẩm hay và khác nhau, thường là những tác phẩm có quy mô lớn (nhân tiện, có một vài "đám mây" ở đó, Dealer và Scofidio không phải là những tác phẩm duy nhất trong thể loại này). Matthias Schuler là một kỹ sư. Có nghĩa là, triển lãm giám tuyển ở Arsenal không có cách nào trở thành triển lãm của các kiến trúc sư.
Điều này không có nghĩa là không có kiến trúc trong đó. Đối với tôi, dường như là tác giả của các không gian bảo tàng, Kazuo Sejima đã biến toàn bộ triển lãm thành kiến trúc: cô ấy không thiết kế nó với tư cách một nhà thiết kế và thậm chí không sáng tác nó với tư cách là người phụ trách, mà xây dựng nó, kết hợp hầu hết các các tác phẩm sắp đặt thành một chuỗi, trong đó mỗi người tham gia đưa ra cách thức nghệ thuật của riêng mình để thấu hiểu không gian của Arsenal. Do đó, chính Arsenal đã trở thành nơi trưng bày chính. Và phải nói thái độ đối với không gian trưng bày này thật ngược đời - mọi người đều yêu thích nó lắm, nhưng tổ chức triển lãm trong đó, họ lại ít để ý đến, đơn giản là đặt một thứ gì đó vào bên trong. Arsenal có lẽ bị xúc phạm bởi thái độ coi thường như vậy, trông ảm đạm và gây áp lực lên khán giả với quy mô lớn. Nhưng anh ấy rất tốt về bản thân, và thật vui khi người phụ trách mới nhận thấy điều này.
Trong trường hợp này, cuộc triển lãm giám tuyển không thể hiện nhiều kiến trúc như chính nó. Và việc đi qua triển lãm trở thành không phải đọc, không phải là chiêm ngưỡng và không phải nhìn, mà là - đắm mình trong kiến trúc (đắm chìm trong ngôn ngữ nước ngoài). Và những người tham gia cuộc triển lãm, những nghệ sĩ và kỹ sư "được cho là tự do", đã cho Sejima phương tiện để hiểu kiến trúc của không gian Arsenal. Nhân tiện, điều này đúng nếu chúng ta nhớ rằng kiến trúc là nghệ thuật chính, và những người còn lại đã từng tuân theo nó. Đây là một người phụ trách từ SANAA và đã khuất phục tất cả, nhưng rất, rất không phô trương. Cô không bố trí nội thất mà lấp đầy không gian bằng nội dung. Nội thất của Arsenal, như thể, đáp lại cô ấy, tham gia vào vai trò của "triển lãm chính" và trở nên dễ chịu hơn. Dù sao đi nữa, bây giờ tôi muốn nhìn lại nó và chặng đường dài qua Arsenal lần này không còn mệt mỏi như hai năm trước.
Có lẽ điều này là do nó có rất nhiều khoảng trống và không có nhiều nội dung - một dạng rắn, và thậm chí không trọng lượng, Thần đạo Nhật Bản: ánh sáng, bóng tối (đan xen bên trong như âm và dương), đá, mây, nước., âm thanh … Bạn thậm chí có thể nói rằng Sejima đã sắp xếp một số bản sao của các công trình đã được biết đến ở Arsenal, sử dụng chúng như một phương tiện để một kiến trúc sư làm việc với các yếu tố khó nắm bắt, để nắm bắt những thứ khó nắm bắt, ánh sáng chói, bóng tối - những thứ mà văn hóa Nhật Bản là như vậy. mạnh. Đó là điều đáng trải nghiệm khi ở Arsenal.
Như một tác phẩm tổng thể và phản ánh các yếu tố chính, triển lãm được đón nhận nồng nhiệt. Từ ngữ, tuy nhiên, hơi thiếu; có những điều quan trọng - chẳng hạn như không gian và biên giới, mà Sejima nói về liên tục, kể cả trong cuộc họp báo ngày hôm qua. Tất cả các từ khác được thu thập ở "những nơi được chỉ định nghiêm ngặt"; Arsenal có một phòng phỏng vấn chứa đầy ghế và màn hình với tai nghe - những người yêu thích ngôn từ có thể thưởng thức các bài phát biểu ở đó trong một thời gian rất dài, danh sách các diễn giả chiếm cả một bức tường.
Tóm lại, triển lãm giám tuyển tại Arsenal có vẻ đúng khi được coi là một công trình kiến trúc khác của SANAA.
Mặt khác, cấu trúc của triển lãm, quen thuộc với nhiều người, vẫn không thay đổi. Giám tuyển triển lãm tại Arsenal, trong “gian hàng của Ý” trước đây, được đổi tên thành Palazzo Espozicione (Cung điện Triển lãm); triển lãm các gian hàng quốc gia ở Giardini và một "chương trình song song" tại thành phố. Biennale hiện tại ở một mức độ nào đó là một năm lễ - đã 35 năm trôi qua kể từ cuộc triển lãm kiến trúc đầu tiên từ chu kỳ Venice Biennale. Do đó các sự kiện kỷ niệm và kỷ niệm của hai năm hai lần trong quá khứ. Trong Sảnh cột của Palazzo Justinian (cung điện nơi đặt trụ sở của ban tổ chức Biennale), một cuộc triển lãm đã khai mạc ngày hôm qua về lịch sử 11 năm qua của Venice Biennale, một loại báo cáo về những thành tựu của nền kinh tế triển lãm Venice; nó cũng tổ chức triển lãm LUMA, trình bày “chương trình kiến trúc cho một mô hình văn hóa mới” của Frank Gehry.
Một phần khác của chương trình kỷ niệm Biennale sẽ là "Thứ bảy kiến trúc" - như thông cáo báo chí của ban tổ chức cho biết, trong ba tháng vào các ngày thứ bảy ở Venice, sẽ có các cuộc gặp gỡ với các nhân vật quan trọng của các cuộc triển lãm trước đây, bao gồm cả những người phụ trách của các Biennials trước đó Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Chúng tôi có kế hoạch dần dần công bố các báo cáo chi tiết hơn về các cuộc triển lãm và sự kiện của Biennale. Triển lãm sẽ kéo dài đến ngày 21/11.
