Cuộc triển lãm các bức ảnh và bản vẽ của kiến trúc sư Maxim Atayants chiếm trọn khu vực nhà Talyzins và thậm chí xuyên qua cầu thang, nơi các bản sao thạch cao của các mảnh vỡ của bức phù điêu Parthenon, được tặng sau một trong những cuộc triển lãm trước, giờ đây đã nằm liền kề với "chân dung "bằng đá cẩm thạch Medusas của Diễn đàn Sever Septimius ở Leptis Magna (Bắc Phi). Viên đá cẩm thạch trong các bức ảnh rất chân thực, và những chiếc đầu biểu cảm đến mức người ta thực sự muốn chúng, giống như những bức phù điêu, sẽ ở lại đây sau cuộc triển lãm - hiệu ứng này thật toàn diện.
Tôi phải nói rằng những bức ảnh kiến trúc của Maxim Atayants là một chất liệu rất thích hợp trong nội thất của căn phòng. Không phải vì nó treo tốt, khó có thể làm cho một bức tranh treo rực rỡ trong căn phòng, mà bởi vì các thủ đô cổ kính, đường viền và tường bao quanh cộng hưởng với các cột Corinthian cổ điển, vữa và dây tết của cung điện Talyzin. Kiến trúc cuối thế kỷ 18 - đầu thế kỷ 19, khi cung điện này được xây dựng, người ta đặc biệt chú ý đến sự cổ kính. Sau đó, họ nghiên cứu về đồ cổ, và các sinh viên, đã tốt nghiệp từ một cơ sở giáo dục với bằng kiến trúc, đã tham gia một "chuyến đi nghỉ hưu" - để xem đồ cổ và vẽ chúng từ tự nhiên.
Trải nghiệm của Maxim Atayants giống như một chuyến đi như vậy, với một số điểm khác biệt. Đó không phải là một sinh viên đi phượt, mà là một kiến trúc sư trưởng thành và nổi tiếng; anh ấy tự đi, sáng kiến và tự chi phí, rồi tự mình làm một cuộc triển lãm, xuất bản một danh mục đồ sộ và chi tiết, viết những bài báo với những kỷ niệm và ấn tượng cho tạp chí Project Classic. Vì vậy, cuộc triển lãm gợi mở để hiểu nó như một nỗ lực có chủ ý để làm sống lại một hiện tượng như một chuyến đi tìm đồ cổ của một kiến trúc sư.
Nó thậm chí có vẻ hơi cách điệu như một bản tường trình về một chuyến đi như vậy - chủ yếu vì nó bắt đầu bằng bản vẽ của kiến trúc sư - sảnh đầu tiên dành riêng cho họ, và điều này có lẽ được thực hiện có chủ ý, để chứng minh cho người xem đã leo lên cầu thang và đã nhìn thấy những khuôn mặt ghê gớm của những Gorgons bằng đá cẩm thạch, trước mặt anh - không chỉ là một cuộc triển lãm ảnh, hay đúng hơn, không chỉ có nó.
Các hình vẽ rất đẹp, tinh tế và khéo léo. Chúng được làm bằng mực nâu giống màu nâu đỏ với nước rửa cọ làm cho chúng trông giống như màu nước. Một số di tích được sơn sau này có thể được nhận ra trong các bức ảnh. Tất cả các hình ảnh đều chi tiết, nhưng rõ ràng là chưa hoàn thiện, và tất cả đều được bao phủ bởi các dòng chữ được thực hiện trên chúng - trôi chảy, nhưng gọn gàng, nằm ở các dòng đều. Và cuối cùng - tất cả chúng đều được làm trên giấy rất tốt với kết cấu dập nổi thô, các cạnh không đồng đều (như đối với torchon chất lượng cao) và hình mờ. Nhìn vào sự sang trọng như vậy, thật khó để thoát khỏi câu hỏi - trước mắt chúng ta là gì: những ghi chú du lịch được thực hiện một cách vội vàng nơi không được phép chụp ảnh, hay những cách điệu điêu luyện cho những bức phác thảo như vậy?
Có vẻ hợp lý khi xem các ghi chú du lịch trên các mẩu giấy trong một cái lồng hoặc dải được lấy từ một số loại sổ tay. Kết luận cho thấy chính nó - có thể kiến trúc sư đang cố gắng thoát khỏi thực hành phác thảo "rẻ tiền", do đó thể hiện sự tôn trọng đối với chủ thể? Các bậc thầy ngày nay đang ngày càng sử dụng bút dạ, hoặc thậm chí là bút bi - nhưng các tác phẩm kinh điển nên được vẽ bằng bút, rửa, trên một ngọn đuốc. Ngay cả khi ở trong sa mạc Libya. Có một cảm giác mà chúng ta đang phải đối mặt - ít nhất là một phần - một màn trình diễn về chủ đề chuyến đi "nghỉ hưu", do chính tác giả trình diễn trước cho chính mình, sau đó được trình chiếu cho người xem dưới dạng một cuộc triển lãm.
Nhưng nếu buổi biểu diễn là cho chính nó, thì mục đích của nó không chỉ là một cuộc biểu tình. Rõ ràng, đây là sự thâm nhập vào vật liệu và "làm chủ" nó theo nhiều cách. Tất cả bắt đầu với việc vượt qua khoảng cách và những trở ngại khác nhau liên quan đến việc đi lại ở Libya và Trung Đông. Sau đó - cơ hội để nhìn, đi xung quanh, chạm vào. Sau đó - chụp ảnh; vẽ tranh; ghi lại những suy nghĩ nảy sinh trong quá trình kiểm tra-rút kinh nghiệm. Về lý thuyết, để tạo ra một mặt tiền có thẩm quyền với các cột, bây giờ không cần phải đi lại. Một nỗ lực để vượt ra khỏi ranh giới của các tác phẩm kinh điển nổi tiếng, để thu thập tài liệu mới? Sự ngưỡng mộ đơn giản đối với những gì bạn đã thấy? Tái hiện hành vi của một người hâm mộ "thứ thiệt" của kinh điển? Trong mọi trường hợp, cho đến thời điểm hiện tại, tất cả điều này là không điển hình. Hiện các kiến trúc sư ở nước ngoài đang tìm kiếm nhiều hơn về Rem Koolhaas hay Zaha Hadid.
Vì vậy, một mặt, đây là một cuộc triển lãm dàn dựng, có thể là một nỗ lực để thử hành vi của những người tiền nhiệm tân cổ điển, và mặt khác, một cuộc triển lãm nghiên cứu thể hiện tài liệu chưa được biết đến ở Moscow. Phải nói rằng, đây không phải là cuộc triển lãm đầu tiên kiểu này - cuộc triển lãm đầu tiên diễn ra cách đây vài năm, nơi nhà phê bình và nhà phê bình nghệ thuật nổi tiếng, tổng biên tập của tạp chí Project Classic Grigory Revzin đã trưng bày những bức ảnh của ông được chụp trên cùng các chuyến đi đến các di tích Hy Lạp và La Mã. Trên thực tế, Maxim Atayants đã bắt đầu chuyến du hành của mình cùng với Grigory Revzin và người phụ trách triển lãm hiện tại, Tiến sĩ Lịch sử Nghệ thuật Vladimir Sedov. Họ cũng viết các bài giới thiệu và kết luận trong danh mục triển lãm. Tình bạn như vậy với các nhà phê bình nghệ thuật cũng không phải là điển hình cho lắm - có lẽ từ đây xuất phát hương vị nghiên cứu riêng biệt, được cảm nhận tại triển lãm. Nó kết hợp sở thích của một kiến trúc sư, nhà sử học và nghệ sĩ, và nó hóa ra rất tổng thể.
Về nguyên tắc, rõ ràng là nhiều tượng đài (và không chỉ các kiệt tác) là đối tượng của sự chú ý; rõ ràng là mọi thứ chúng ta có thể đến đều được chụp ảnh; Tất nhiên, bức ảnh đẹp nhất trong số các bức ảnh thu được đã được chọn để triển lãm. Bản thân bức tranh không phải là sự kết thúc, mà là một cách để ghi lại những gì ông đã thấy - cho nhà nghiên cứu và cho cả kiến trúc sư. Và đồng thời, những bức tranh rõ ràng là đẹp, bạn có thể chiêm ngưỡng chúng, và một hương vị ngưỡng mộ đặc biệt được tạo ra bởi sự hiểu biết về thực tế là để đến được những tàn tích thú vị này, ồ, khó khăn như thế nào và không phải ai cũng định sẵn. Vì vậy, triển lãm của Maxim Atayants là sự kết hợp giữa nghiên cứu, kịch và triển lãm ảnh thực tế.
Cuộc triển lãm thứ hai, đang diễn ra trong "Ruin Outbuilding", như bạn đã biết, đã được giám đốc bảo tàng cố tình bảo quản trong tình trạng đổ nát để tổ chức các cuộc triển lãm khái niệm, có một đặc điểm hơi khác - nhưng nó rất Đáng chú ý là cả hai cuộc triển lãm diễn ra song song. Như thể bảo tàng đột nhiên quyết định phản ánh nghiêm túc về chủ đề tàn tích trên phạm vi toàn cầu. Rõ ràng tình cờ một chuỗi so sánh nảy sinh ở đây: vào cuối thế kỷ 18. Các kiến trúc sư Nga đã tham gia vào làn sóng tiếp theo của châu Âu trong việc nghiên cứu về đồ cổ, và chủ nghĩa cổ điển trang viên đã nảy sinh. Bây giờ các điền trang đã biến thành đống đổ nát, chúng được trưng bày trong cánh tàn tích, và trong khi Maxim Atayants cổ điển hiện đại đi dọc theo bờ biển Địa Trung Hải, nghiên cứu và sửa chữa những tàn tích ban đầu, từ đó mọi thứ bắt đầu, và thấy tất cả chúng đều ở trạng thái như cũ. Di tích La Mã thuộc về vĩnh cửu, có vẻ như sẽ không có gì xảy ra với họ - mặc dù trên thực tế không phải như vậy, Taliban và nhiều sự cố khác xảy ra theo thời gian, nhưng có vẻ như các cổ vật đã trải qua rất nhiều và được để tồn tại bất cứ điều gì. Ngược lại, phần còn lại của các điền trang đang chờ chúng bắt đầu bị phân chia và làm điều gì đó với chúng - hoặc để khôi phục (điều mà tôi thực sự muốn), hoặc đơn giản là để trang bị cho chủ sở hữu - như bạn biết, trên Ngày 1 tháng 1, Nga dỡ bỏ lệnh cấm tư nhân hóa các di tích bất động. Và trước những thay đổi căn bản (xấu hơn? Tốt hơn?), Tàn tích của các điền trang dường như đã đóng băng và đang cố gắng trở nên cổ kính, nghĩa là, chuyển sang phạm trù vĩnh cửu.
Đây là những gì được viết trong lời mở đầu cuộc triển lãm những bức ảnh với tiêu đề kỳ lạ “Những ngôi nhà ở đây” và tương tự như một liên kết trên Internet và một dòng chữ trên hàng rào. Tác giả của những bức ảnh, Sasha Manovtseva và Maksim Seregin, cố gắng thể hiện những gì còn lại của di sản "sự hùng vĩ vượt thời gian" - như nó được viết trong phần giới thiệu. Đây có lẽ là lý do tại sao các bức ảnh được chụp với màu đen trắng và rất tương phản - để tạo ra hiệu ứng tách rời khỏi các di tích, vốn được nhiều người biết đến. Tổng cộng, có 10 khu phức hợp ngoại ô (Marfino, Bykovo, Otrada và các quần thể nổi tiếng khác) và 5 khu vực lân cận, đặc biệt, có rất nhiều bức ảnh về ngựa từ trang trại ngựa đực Ryazan Starozhilov. Hiệu ứng của sự tách rời phát sinh, và phải thừa nhận rằng nó được hỗ trợ bởi nội thất của "Tàn tích", ở đây sự trình bày đã phát triển một cách đơn giản tuyệt vời.
Nhiệm vụ của hiệu ứng được tạo ra không rõ ràng lắm - rõ ràng, nó hoàn toàn là thẩm mỹ, cụ thể là chụp ảnh. Điều này hơi lạ, vì người ta biết rằng những bức ảnh được chụp cho một cuốn sách ban đầu được phát minh bởi Natalia Bondareva với mục đích định hình. Quá trình chụp ảnh đã được tư vấn bởi nhà phê bình nghệ thuật Andrei Chekmarev và nhà sử học Alexei Slezkin, các chuyên gia về di tích của tỉnh Nga, nhưng cuối cùng vấn đề chỉ giới hạn ở một cái nhìn riêng biệt về các di tích gần nhất. Vào ngày khai mạc, các nhiếp ảnh gia đã xa lánh các nhà phê bình nghệ thuật, nói rằng "cảm ơn vì đã tham khảo ý kiến, nhưng chúng tôi đã có khái niệm riêng …".
Vì vậy, hóa ra, nếu bạn đi qua hai cuộc triển lãm liên tiếp, cuộc triển lãm đó mang những tàn tích của tỉnh La Mã đến gần chúng ta hơn, khám phá chúng, hiển thị chúng một cách chi tiết và đẹp mắt (không phải là không có tính thẩm mỹ) cho người xem - để bạn muốn để đến đó và xem, mặc dù thực tế là xa. Và thứ hai - di chuyển Bykovo và Marfino đi để có vẻ như họ đã bị phá hủy từ lâu và chúng ta đang xem những bức ảnh từ bộ sưu tập cũ của ai đó. Có lẽ sự lạnh nhạt này nảy sinh trước sự loại bỏ của các nhà phê bình nghệ thuật? Ở đây không có nghiên cứu về kiến trúc trang viên, nhưng có một mong muốn trích từ đó là "cử chỉ của tác giả". Động tác này biến ra, nhưng ý nghĩa của nó không rõ ràng lắm.